Programme 2026

Le concert d'ouverture de cette année s'inscrit pleinement dans l'esprit et la thématique du festival. Depuis 1974, l'Original Prague Syncopated Orchestra (O.P.S.O.) se consacre à l'interprétation authentique et historiquement fidèle du jazz américain, du blues et de la musique de danse des années 1920 et du début des années 1930. L'ensemble est considéré comme l'un des plus convaincants de son genre sur le plan stylistique et séduit par un son qui fait revivre l'esprit des « années folles ». Les racines musicales de cette époque se trouvent à la Nouvelle-Orléans et dans les débuts du jazz Dixieland. Grâce aux disques en gomme-laque, aux gramophones et aux premières émissions de radio, cette nouvelle musique au rythme électrisant s’est répandue dans le monde entier. Des danses telles que le charleston, le black bottom ou le fox-trot symbolisaient le renouveau, la liberté et la joie de vivre après la Première Guerre mondiale. De nombreux standards du jazz, connus encore aujourd’hui, ont vu le jour au cours de cette période courte mais intense. L’O.P.S.O. reconstitue les enregistrements historiques avec un grand soin et fait revivre les styles de jeu originaux. La formation caractéristique, composée d’un piano, d’un banjo, d’un sousaphone, de percussions ainsi que d’un saxophone, d’une trompette et d’un trombone – dont certains sont équipés de pavillons historiques –, garantit un son original et unique, marqué par une précision rythmique et des timbres particuliers.Fondé par Pavel Klikar, qui a marqué l’orchestre pendant des décennies en tant que chef d’orchestre, trompettiste, pianiste et arrangeur, l’ensemble s’est rapidement imposé comme une référence incontournable de la scène jazz européenne. Plus de 2 500 concerts ainsi que des prestations lors de festivals renommés et à la radio et à la télévision témoignent de son succès international.‍ Plus de 50 ans après sa création, l’O.P.S.O. continue d’enthousiasmer son public par son énergie contagieuse et sa musicalité intemporelle – un voyage vivant dans le temps, à une époque pleine de rythme, d’élégance et de joie de vivre.

Le Lindy Hop est la danse swing originaire de Harlem, à New York. Il s'agit principalement d'une danse de couple où priment le plaisir de l'harmonie, l'échange de mouvements et l'interprétation de la musique. L'objectif est d'apporter l'amour, l'authenticité, le respect mutuel, la danse et sa musique dans la ville et dans le cœur des gens. Découvrez ensemble les rythmes entraînants des années 20 et 30 et célébrez la vie sous l'une de ses plus belles formes : le mouvement. En collaboration avec Lindy Hop Saarbrücken, la vieille ville baroque de Blieskastel va se mettre à danser. Rejoignez-nous et profitez également de l'offre du marché aux vins et fromages.

Avec l’orchestre berlinois de musique de film en direct « Nosferatu » à la Festhalle de Zweibrücken, avec un piano à queue et l’orchestre berlinois de musique de film en direct ! La composition de Bothmer est la musique de « Nosferatu » qui a connu le plus grand succès depuis l’époque du cinéma muet. Captivante et extrêmement suggestive : les archétypes prennent vie et le public est happé par le film. Il vit le film comme de l’intérieur ! Un voyage dans l'inconscient, le pays des peurs et des désirs cachés. « Nosferatu » est la première et la plus charismatique adaptation cinématographique de Dracula de l'histoire du cinéma. L'histoire bien connue du jeune homme qui part vendre une maison et se retrouve plongé dans un cauchemar. Ce film compte sans doute parmi les productions cinématographiques allemandes les plus précieuses sur le plan artistique de tous les temps. Le langage visuel poétique, les prises de vue de la nature comme on n’en avait jamais vu auparavant et l’interprétation sensationnelle de Max Schreck, associés à la musique de von Bothmer, offrent une expérience pour le moins mystique. [F.W. Murnau, Allemagne 1922] Stephan Graf von Bothmer met en musique « Nosferatu – une symphonie de l’horreur » d’une manière à la fois effrayante et d’une beauté poignante. Il confère au film une profondeur qui semblait inaccessible. Sa musique a été jouée plus de 300 fois à travers le monde. C'est la bande originale de NOSFERATU qui a connu le plus grand succès depuis l'époque du cinéma muet. Dans la version pour piano, Stephan v. Bothmer a interprété NOSFERATU en l'honneur de Murnau, de nuit, sur la tombe du réalisateur au cimetière Südwestkirchhof de Stahnsdorf, devant plus de 800 invités. Le pianiste et compositeur remplit les théâtres et les salles de concert sur cinq continents avec ses spectaculaires « concerts de films muets ». Les classiques, les comédies et les films de science-fiction resplendissent d’un nouvel éclat grâce à sa musique. Le public semble être littéralement aspiré dans les films. Les « concerts de films muets » de Bothmer sont des spectacles mêlant musique, courts métrages et infodivertissement – un concept événementiel avec lequel il a déjà enthousiasmé plus de 200 000 spectateurs : au Festival du Schleswig-Holstein et à la Laeiszhalle de Hambourg, ainsi qu’à Berlin à l’Admiralspalast, au Wintergarten Varieté et à la cathédrale de Berlin, et même au festival Rock-Pop de l’aéroport de Tempelhof après Björk, Blur et les Pet Shop Boys. Ses compositions sont aussi dramatiques, mélange de Beethoven et de Pink Floyd, qu’enjouées, légères et virtuoses, à l’image de Chopin et de Ravel.

Autant le dire d’emblée : une soirée avec les ZUCCHINI SISTAZ est bien plus qu’un simple concert. C'est une mise en scène rétro magistrale, où musicalité virtuose, divertissement humoristique et esprit du temps se fondent en un spectacle parfaitement harmonisé. Dans leur quatrième spectacle « Faux cils – Vraie musique », les trois artistes originaires de Münster, métropole du swing, démontrent de manière impressionnante comment transformer trois musiciennes en un véritable big band ! Le répertoire varié de ces multi-instrumentistes englobe le swing, le jazz, les chansons et les couplets, présentés avec des harmonies vocales polyphoniques de premier ordre et un jeu instrumental virtuose. Jule Balandat pose avec assurance les bases à la contrebasse, tandis que Tina Werzinger assure le rythme entraînant à la guitare rythmique et au ukulélé. Sinje Schnittker séduit non seulement à la trompette, mais apporte également de nombreuses nuances sonores supplémentaires grâce à la clarinette, au trombone, au bugle, à l’accordéon, au xylophone, etc. Avec des interventions pleines d’esprit, les ZUCCHINI SISTAZ vous guident à travers leur programme varié et présentent un collage entraînant de classiques du swing réarrangés et de leurs propres chansons brillamment écrites, dans le style des années 20 à 50. Même les trésors musicaux moins connus deviennent, dans les interprétations du trio, des « Evergreenz » intemporels qui restent gravés dans la mémoire. Avec un grand souci du détail, une immense joie de jouer et la bonne dose d’humour, les ZUCCHINI SISTAZ transforment chaque soir, d’une manière rafraîchissante, la nuit en une nuit inoubliable et prouvent qu’il n’y a aucune contradiction entre coiffures sophistiquées, faux cils et musicalité virtuose. Elles ont également démontré leur qualité et leur présence scénique lors de tournées avec des grands noms tels que Götz Alsmann, le SWR Big Band, les Geschwister Pfister ou Gerburg Jahnke. Une centaine de concerts par an et une communauté de fans en constante augmentation parlent d’eux-mêmes : l’œuvre d’art totale des ZUCCHINI SISTAZ, soucieuse du moindre détail, convainc sur toute la ligne. Et ce faisant, elles font toujours briller les yeux de leur public et dessinent un sourire sur leurs visages… Les ZUCCHINI SISTAZ sont : Tina Werzinger, Jule Balandat, Sinje Schnittker.

L'interaction délicate des instruments et les arrangements subtils du quatuor constituent le cadre d'une poésie lyrique et émouvante. Celle-ci est imprégnée de paysages vallonnés automnaux et peuplée des fantômes de sa vie – tout comme des âmes nocturnes d'un cheval et d'un chien qui se murmurent mutuellement leurs blessures et leurs révoltes. Au cours de ces conversations, ils parlent de la vie, de ses rebondissements, des relations et des malentendus qui les marquent parfois. C’est ainsi que naît l’espace dans lequel Aurel traduit ses guitares en mots et nous offre dix morceaux précieux. Ce concert est à la fois une rencontre entre le blues et le folk – entre un héritage musical qui a traversé les océans et un paysage de grès. Il raconte une amitié féconde ainsi que les heurts que la vie nous impose parfois.

Une vie pleine de musique, d’humour et d’émotion : Marcel Adam est considéré comme l’un des auteurs-compositeurs-interprètes et chansonniers les plus connus de la région frontalière franco-allemande. Avec son mélange unique de dialecte, de chansons françaises et de compositions personnelles, il séduit depuis des décennies un public qui s’étend bien au-delà de la Lorraine, de la Sarre et du Palatinat. Ses concerts sont à son image : chaleureux, pleins d’humour, charmants et profondément émouvants. Marcel raconte des histoires de la vie – tantôt avec un clin d’œil, tantôt avec sérieux, mais toujours avec une grande humanité et une joie de vivre. Ses chansons sont le reflet de sa région natale et de son cœur. Même lors de sa tournée d’adieu, Marcel Adam ne sera pas seul sur scène. Il sera accompagné par ses musiciens de longue date du groupe « Egoisten », qui créent un son unique grâce à leur virtuosité, leur passion et leur joie de jouer. Ensemble, ils présentent un programme qui comprend à la fois des classiques connus et des chansons populaires, ainsi que ses propres compositions personnelles – un voyage musical à travers une vie d’artiste mouvementée. Qu'il s'agisse de chansons françaises de Brel, Brassens, Cabrel, Becaud, Piaf ou Aznavour, de compositions personnelles en dialecte ou d'intermèdes humoristiques, chaque concert promet une soirée pleine d'émotion, d'humour et de classe musicale.

Cette exposition est une initiative pédagogique itinérante du Musée de la lutherie de Mirecourt, berceau de la lutherie française.‍ À travers cinq modules thématiques, l’instrument de musique est abordé sous différents angles : en tant qu’objet sensoriel, objet sonore, objet technique et économique, ainsi que patrimoine culturel.‍ Cette exposition, aussi instructive que divertissante, s’adresse aussi bien aux amateurs qu’aux professionnels, aux enfants comme aux adultes. Les modules proposent des extraits sonores, des éléments à toucher et des fiches d’information à emporter.

Le chanteur et compositeur allemand attire les foules partout où il passe, car Michael Schulte figure parmi les artistes pop les plus en vue des années 2020 en Allemagne. Sa voix est exceptionnelle, absolument unique, et on ne peut plus imaginer les ondes sans elle depuis des années – les tubes radio s’enchaînent : « More to This Life », « Better Me », la collaboration « Waterfall » avec le célèbre DJ R3HAB, qui a connu un succès européen, ainsi que « Beautiful Reason » et « Half of My Heart » avec ÁSDÍS soulignent son succès. Son nouvel album « Beautiful Reasons » offre à ses fans du nouveau matériel tant attendu, dont des extraits seront déjà à découvrir lors de la tournée acoustique à guichets fermés « Sanfte Töne, besondere Orte » en 2026. Après Zweibrücken, Michael se produira également en formation acoustique en quatuor et, avec ses musiciens, fera naître sur scène une expérience tout à fait exclusive.

Un concert de guitare placé sous le signe de la musique de Jean-Sébastien Bach : le programme actuel de Lothar Theissmann est un voyage musical unique en son genre – et une approche à la fois personnelle et pleine de sens de J.S. Bach. Après des morceaux datant des débuts de la polyphonie, des œuvres de Jean-Sébastien Bach s’alternent de manière captivante avec des pièces de compositeurs influencés par lui à travers les siècles. Et les liens avec Bach resplendissent sans cesse : dans l’harmonie moderne, dans le choix des compositeurs inspirés, dans les touches de polyphonie – jusqu’à ce que la brillante Suite en mi bémol majeur, BWV 998, avec sa fugue sereine et intemporelle, retentisse comme un point culminant concluant et convaincant. Un programme qui ouvre les oreilles et réunit les sens et l’esprit – dans le meilleur sens du terme selon Bach.

Plongez dans la magie de l'ère du cinéma muet : le concert du Coréen Chang Soo Park s'inscrit dans la tradition des années 1920, époque où les films prenaient vie grâce à la musique jouée en direct. Le programme de la soirée comprend des classiques tels que Un chien andalou (1929) de Luis Buñuel et Salvador Dalí, ainsi que Broken Blossoms (1919) de David W. Griffith. Park allie improvisation libre et art cinématographique. Il réagit en direct à ce qui se passe à l’écran, créant ainsi une symbiose impressionnante entre le son et l’image. Le pianiste et compositeur se produit depuis des décennies à l’international et crée de la musique en temps réel pour des concerts et des projections de films muets. Il est également le fondateur du « Hauskonzert », un format de concert unique qui s’est développé en Corée pour devenir un mouvement important. Introduction au concert à partir de 18h30 avec Daniel Seel et Chang Soo Park à l’atelier créatif au 3e étage du Forum ALTE POST ‍‍

Un reflet de la musique protestante de Strasbourg et de la musique catholique de Saverne, où l’évêque chassé de Strasbourg s’était alors réfugié avec son chapitre et sa chapelle. Fondé au printemps 2007, l’ensemble Dulcis Melodia réunit des musiciens professionnels de la région du Rhin passionnés par la musique ancienne, en particulier par le répertoire du XVIIe siècle. L'ensemble souhaite préserver le charme et l'authenticité des œuvres – notamment grâce à l'utilisation d'instruments historiques – tout en faisant redécouvrir des compositions méconnues. Après s’être intensément consacré à la musique italienne et allemande du début du baroque, l’ensemble se consacre aujourd’hui davantage à la redécouverte de la musique rhénane du XVIIe siècle – un répertoire auquel Dulcis Melodia a déjà consacré trois albums et de nombreux concerts.

Résumé : La classe n'a vraiment pas envie de suivre les cours de musique classique de Mme Schlegel. Lorsqu'ils entendent parler d'un concours de chant choral, ils décident sans hésiter de monter leur propre chorale. Si seulement les parents d'Anna, qui interdisent à leur fille – la meilleure chanteuse – toute activité extrascolaire, n'étaient pas là. Mais ses amis ne vont pas rester les bras croisés : ils organisent une discussion entre Mme Schlegel et les parents d’Anna. Même si tout ne se passe pas comme prévu, c’est finalement la rébellion adolescente et l’amitié qui l’emportent. ‍Message La musique, c’est bien plus que des faits et de l’histoire, quand on la fait comme on l’entend. Et : au final, l’important n’est pas de gagner, mais l’amitié, la solidarité et le fait de se soutenir les uns les autres. Musique et paroles La musique est facile à jouer, mais néanmoins très efficace et entraînante. Les chansons restent en tête et font même se lever ceux qui étaient restés assis – de la pop à son meilleur, parsemée d’influences jazz et hip-hop.

Jazz raffiné, swing et bossa nova. Une soirée placée sous le signe de l'élégance, de la joie de jouer et de la passion. Plongez dans l'univers du jazz classique : ce soir, le Trio Mayence s'associe à la voix charismatique de Claudia Seng. Ensemble, les musiciens emmènent leur public dans un voyage à travers le « Great American Songbook », parcourent l'âge d'or du swing et se laissent porter par les douces vagues de la bossa nova. L'ensemble sait magistralement réinterpréter des classiques intemporels. Qu'il s'agisse de ballades émouvantes ou de morceaux énergiques au tempo soutenu, la combinaison d'un jeu instrumental virtuose et d'un chant expressif crée une atmosphère tantôt intime et fragile, tantôt entraînante et vivante. Avec sa voix chaleureuse et aux multiples facettes, Claudia Seng apporte à chaque chanson une touche très personnelle. Elle est depuis des années une figure incontournable de la scène jazz et gala de la région Rhin-Main et est réputée pour son authenticité sur scène. Un programme trié sur le volet, où les frontières entre tradition et modernité s’estompent. Des mélodies nostalgiques de George Gershwin aux arrangements jazz de classiques modernes, le Trio Mayence feat. Claudia Seng promet un concert plein de cœur, de charme et d’une qualité sonore exceptionnelle.

Il arrive parfois de quitter un concert avec le sentiment d’être transporté et plein de vie. Lorsque Katharina Gruber (chant) et Christian Gruber (guitare) – la fille et son père – se produisent ensemble sur scène, c’est exactement ce qui se passe. Le duo allie une grande sensibilité musicale à une franchise qui touche immédiatement le public. Les concerts du duo se nourrissent de proximité, de chaleur et d’une complicité qui fait que le public se sent le bienvenu – presque comme s’il faisait partie de la famille le temps d’une soirée. Leur programme « Ja, Weill ! » propose une sélection des plus grandes chansons de Kurt Weill. Beaucoup connaissent son nom grâce à L’Opéra de quat’sous, mais sa musique va bien au-delà : chansons, standards de jazz, tubes de Broadway, « Songs » allemands – des morceaux aussi variés que la vie de ce compositeur d’exception. Tantôt d’une beauté à couper le souffle, tantôt décalées et surprenantes, tantôt mélancoliques, tantôt humoristiques, parfois provocantes – mais toujours portées par une profondeur qui touche au plus profond. Les deux artistes interprètent les chansons de Weill à leur manière bien particulière : avec une grande finesse musicale, une grande attention, en laissant beaucoup de place aux nuances de l’instrument et de la voix. Et pourquoi Weill ? Katharina Gruber et Christian Gruber ont trouvé en Kurt Weill un compositeur dont la vision correspond au cœur même de leur propre démarche artistique : le désir d’humanité, de chaleur humaine et de solidarité.

Rüdiger Baldauf, trompettiste d'exception et âme créative de la Trumpet Night, organise régulièrement une rencontre impressionnante entre les stars de la scène musicale. Il réunit sur scène des invités de renom tels que Max Mutzke, Thomas Quasthoff, Laith Al-Deen, Nils Landgren, Marc Marshall et bien d'autres encore. Baldauf y démontre toute sa polyvalence, notamment en adaptant et en réarrangeant les compositions de ses invités en fonction de la formation du moment. Il en résulte une fusion impressionnante de talent artistique et de passion musicale qui captive irrésistiblement le public. Mais la Trumpet Night n’est pas seulement une vitrine pour les solistes, car elle est également accompagnée par un groupe de musiciens de très haut niveau. La Trumpet Night & Friends de Rüdiger Baldauf est une véritable expérience live !‍Rüdiger Baldauf (trompette, bugle, effets)Outre ses nombreuses prestations live, Baldauf a produit cinq albums et publié des ouvrages spécialisés. Beaucoup le connaissent également comme trompettiste de l’émission « RTL-Samstag Nacht Show » ou de « TV Total ». Il a tourné avec Paul Kuhn Orchestra, Udo Jürgens, le « United Jazz and Rock Ensemble », Shirley Bassey, Joe Zawinul, Maceo Parker et a joué dans des productions avec Max Greger, Jamie Cullum, George Duke, Michael Bublé, Ray Charles, John Scofield, James Brown, Gentleman, Thomas Quasthoff, Seal, Liza Minelli ou Barbra Streisand.‍ Max Mutzke (chant) Il fait sans aucun doute partie des meilleurs chanteurs pop et soul allemands. Grâce à sa voix puissante, il maîtrise sans peine tous les genres. « Welt hinter Glas », extrait de son dernier album studio « Max », a été un tube pop à la radio. Avec la NDR Radiophilharmonie, il fait revivre la grande tradition des orchestres de jazz américains avec des classiques tels que « Me & Mrs. Jones », et avec son groupe monoPunk, l’ambiance devient très funky.‍ Joo Kraus (trompette, effets, voix) Ce trompettiste et compositeur de jazz allemand de renom s’est fait connaître grâce au projet de hip-jazz Tab Two. Aujourd’hui, des grands noms de la musique tels que Jazzkantine, De-Phazz, Fury In The Slaughterhouse, Kinderzimmer Productions, Laith al Deen, Peter Herbolzheimer, Charlie Mariano et Tina Turner font appel à son art.‍ Lorenzo Ludemann (trompette) Il se produit sur scène avec des groupes tels que les Heavytones, les Fantastischen 4, ou des artistes comme Gregor Meyle, et intervient régulièrement en tant que musicien invité au sein du WDR Big Band. Depuis 2021, Lorenzo est membre du groupe « Wolf And The Gang » de l'émission « Let The Music Play » sur SAT1, ainsi que de la nouvelle version de l'émission « TV total » aux côtés des Heavytones sur Pro7.‍

Le saxophoniste Nicolas Prost et la harpiste Béatrice Guillermin vous invitent à un voyage musical où se mêlent virtuosité et poésie. Les arpèges lumineux de la harpe rencontrent les accents swingants du saxophone – un dialogue plein de lyrisme et d’énergie qui rend musicalement tangible la dualité du « féminin et du masculin ». Des compositeurs tels que Manuel de Falla, André Caplet, Maurice Ravel et Kurt Weill occupent une place particulière dans leur répertoire. Ce programme d’inspiration classique est également fortement influencé par le jazz et la musique de divertissement – avec des références à George Gershwin, Coleman Hawkins ou Carlos Gardel.

Du vieux, du neuf ! C'est ce que fait depuis 2018 le groupe hambourgeois Goldmeister (Chris Dunker et Philipp Ohleyer). Goldmeister mélange le swing des années folles à la Gatsby avec le hip-hop allemand des temps modernes. Le résultat donne l'impression que Goldmeister a trouvé un élixir qui était à portée de main depuis au moins vingt ans, mais que personne n'osait saisir. Car, comme par magie, les chansons écrites par Peter Fox, les Fanta 4, Fettes Brot, Jan Delay et d’autres se mêlent aux joyeuses envolées de cuivres, de banjo et de piano pour former un mélange futuriste aussi organique que virulent, d’un genre raffiné. Dans les années 20 du XXIe siècle, il s’agit de formuler le son festif du futur pour danser sur le volcan. Goldmeister a trouvé ce son. Avec leurs deux albums « Alles Gold » et « Willkommen in den Zwanzigern ! », les Goldmeister ont déjà été invités dans diverses émissions de télévision, notamment « Willkommen bei Carmen Nebel », « My hit, your song » sur ProSieben, chez Andrea Kiewel dans le « Fernsehgarten » de la ZDF, dans le « Morgenmagazin » de la ZDF, ainsi qu’aux RBB Elblandfestspiele. Ils ont enthousiasmé les visiteurs à la Porte de Brandebourg lors de la Fan Zone de la Coupe du monde, tout comme au même endroit lors du gala du Nouvel An de la ZDF, et se sont également produits lors de grands événements à Vienne et en Suisse. Les Goldmeister se sont également produits sur scène lors de nombreux grands festivals culturels et de jazz et ont récemment mis l’ambiance pour le président fédéral Frank-Walter Steinmeier lors du bal de la presse fédérale.‍‍

Spectacle trilingue (français, anglais, allemand) et multidisciplinaire (théâtre musical, opéra, comédie musicale), « La Cage aux Piafs : Whisky Bar » est un spectacle de cabaret mettant en scène deux chanteurs/comédiens et une pianiste. Les « Piafs » y revivent leur passé : leurs amours perdues, leurs rencontres et une amitié aussi étroite que parfois chaotique – ainsi que l’histoire de la création de leur propre cabaret. Les œuvres de Kurt Weill (1890–1950) occupent une place centrale. Sa musique allie complexité, richesse et popularité et s’inscrit dans l’idée de créer une musique pour tous – ouverte aux interprétations les plus diverses par des chanteuses et chanteurs, des comédiennes et comédiens ainsi que des artistes de scène. Pour tous les âges ; recommandé à partir de 12 ans

Un voyage dans le temps à travers les salles de bal de la République de Weimar. Dans le cadre du festival Euroclassic de cette année, placé sous le thème « Les années folles » en 2026, l'ensemble « Immo Federolf et son orchestre » se produira le 16 octobre 2025 à 19 heures à la Bürgerhaus d'Althornbach. Cet orchestre de douze musiciens, dirigé par le chanteur et animateur Immo Federolf, se consacre à la musique de divertissement de la fin des années 1920 et du début des années 1930. Il interprète des tubes et de la musique de danse de l’époque de la République de Weimar, en s’inspirant du modèle historique des grands orchestres de danse tels que Marek Weber, Ben Berlin et Paul Godwin. Entre fox-trot, tango et valse, le chef d’orchestre guide le public à travers le programme avec une animation pleine d’humour et relie les différents morceaux pour créer un voyage musical à travers les salles de bal de cette modernité naissante. L’ensemble mise résolument sur une esthétique sonore historique : les arrangements suivent les modèles originaux de l’époque, et des instruments historiques sont même parfois utilisés, notamment une batterie des années 1920. Visuellement aussi, l’atmosphère de l’époque prend vie grâce aux tenues de soirée historiques de l’orchestre et à un microphone dans le style de l’ère de la radio. L’ensemble a été fondé début 2024 à Cologne et se compose principalement de diplômés et d’étudiants de la Hochschule für Musik und Tanz Köln.

Barbara Hendricks, l’une des cantatrices les plus réputées au monde, explore depuis plusieurs années les racines du jazz et du blues, musique qui l’habite depuis ses débuts dans les Negro spirituals de l’église de son père en Arkansas. Après Blues Everywhere I Go, elle présente The Road to Freedom, hommage aux chansons de blues et gospel qui ont inspiré les militants des droits civiques, dont Martin Luther King.
Avec son swing irrésistible, sa voix riche et chaleureuse enchante ce programme original, ponctué de lectures de discours et de poèmes, célébrant l’amour, la solidarité et la liberté.
Ne manquez pas ce voyage musical unique avec Barbara Hendricks.

Dans l'esprit des « années folles », le festival Euroclassic propose une soirée mêlant Jazz Age, cabaret et sensualité contemporaine : le Burlesque Gala rencontre le swing entraînant des Gramophoniacs, alliant une élégance enivrante au rythme du présent. Eilza DeLite, venue de Londres, apporte une touche internationale à la scène, accompagnée des grands noms locaux ChouChou Magique et Absintique, qui imprègnent le glamour de la bohème de la liberté artistique d’aujourd’hui. L’imprésario Julian Blomann – spécialiste en sciences culturelles et cofondateur du Saar Lor Lux Burlesque Festival – anime la soirée en tant qu’hôte, entre histoire, ivresse et émancipation artistique. Une soirée dans l’esprit des années folles : sauvage, sensuelle et envoûtante.

Le trio lorrain (guitare, accordéon, contrebasse) Faubourg Paname fait revivre le charme et la joie de vivre de la chanson française, des « années folles » jusqu’aux « années glorieuses » – une époque où la musique était empreinte de festivité, de poésie et d’élégance. Son répertoire comprend les grands classiques de Maurice Chevalier, Édith Piaf, Charles Trenet, Yves Montand et bien d’autres. À travers ses interprétations, le trio fait revivre l’atmosphère d’un Paris authentique, chaleureux et intemporel.

Hans Bollinger, en collaboration avec son ancien collègue de l'ESPE Thomas Doll et Christoph Kleuser, a concocté un concert intéressant et varié qui couvre un large éventail allant de la résistance sous le régime nazi jusqu’aux luttes sociales de la République de Weimar, mais qui inclut également des chansons écrites par des écrivains allemands en exil à l’époque de la République de Weimar, tels que Kurt Tucholsky, Bert Brecht, Erich Kästner et Jura Soyfer. Les musiciens du Trio Bollinger-Doll-Kleuser ont non seulement donné de nombreux concerts ensemble ces dernières années, mais ils s’appuient également sur une riche tradition musicale acquise au sein d’autres ensembles et possèdent une grande expérience dans le domaine du lied.‍

La Française Marie Giroux, accompagnée de ses partenaires Jenny Schäuffelen (piano, accordéon) et Elisabet Iserte-Lopez (violoncelle, violon), vous invite à un voyage étonnant et plein d’humour à la découverte de la vie amoureuse d’Édith Piaf. Au cours d’une soirée captivante, elles chantent, jouent et racontent la personnalité de la plus grande de toutes les chanteuses de chanson. Elles retracent ainsi son parcours musical à travers les hommes qui l'ont accompagnée, de Charles Aznavour à Gilbert Bécaud.

Was passiert, wenn sich klassische Virtuosität mit leidenschaftlicher Musikkreativität verbindet? Wenn eine international ausgebildete Oboistin und ein musikalisches Multitalent gemeinsam neue Klangwelten erkunden? So entstand Mélange à Deux.Gegründet wurde das Ensemble 2017 von der österreichischen Oboistin und Blockflötistin Ulrike Albeseder und dem Multiinstrumentalisten, Akkordeonisten und Sänger Uwe Hanewald. Aus dem ursprünglichen Duo entwickelte sich mit Wolfgang Mayé am Kontrabass und Wolfgang Disch an Schlagzeug und Percussion ein Quartett, das seinem Namen alle Ehre macht: eine einzigartige Mélange verschiedenster musikalischer Einflüsse.Die besondere Instrumentierung mit Oboe, Blockflöte, Akkordeon, Kontrabass und Schlagzeug schafft eine unverwechselbare Klangfarbe. Mélange à Deux & Amis verbindet französisches Flair mit künstlerischer Leidenschaft und entwickelt daraus eine stilistisch offene Musik zwischen Acoustic Fusion Jazz, Filmmusik, Tango und Chanson. Virtuos, ausdrucksstark und voller Atmosphäre entsteht eine musikalische Reise voller Farben, Emotionen und Geschichten.Die Programme führen von den malerischen Straßen von Paris über die leidenschaftlichen Tangos von Astor Piazzolla bis hin zu überraschenden Neuinterpretationen aus Jazz, Pop und Rock. Arrangements u. a. von Sting, Richard Galliano, Marc Berthoumieux oder musikalische Streifzüge zu Ian Anderson werden ebenso Teil des Programms wie eigene Kompositionen. Bekannte Titel wie „Skyfall“ oder „Nothing Else Matters“ erscheinen durch die außergewöhnliche Instrumentierung in völlig neuem Licht und entwickeln einen ganz eigenen Klangcharakter.Kreativer Kopf des Ensembles ist Uwe Hanewald, der seit seiner Kindheit Musik macht und als Komponist und Arrangeur die musikalischen Ideen des Ensembles in seinem Studio entwickelt. An seiner Seite steht Ulrike Albeseder, deren klassische Ausbildung an den Musikhochschulen Wien und München sich in technischer Brillanz und ausdrucksstarker Bühnenpräsenz widerspiegelt. Sie konzertierte weltweit – von Japan bis Mexiko – und stand unter anderem mit den Wiener Philharmonikern und den Wiener Symphonikern auf der Bühne. Bei den Bregenzer Festspielen arbeitete sie mit renommierten Dirigenten wie Mariss Jansons, Marcello Viotti und Franz Welser-Möst zusammen.Ergänzt wird das Ensemble durch Wolfgang Mayé am Kontrabass, dessen musikalischer Weg vom Landesjugendjazzorchester Schleswig-Holstein bis zum Weltmusikpreis „Querbeet“ mit der Gruppe Fisfüz führte, sowie durch den Jazzschlagzeuger Wolfgang Disch. Mit seinem sensiblen Rhythmusspiel verleiht er der Musik des Ensembles ihren unverwechselbaren Groove. Als Live- und Studiomusiker war er bei zahlreichen internationalen Festivals zu hören, darunter enjoy jazz, das Slany Jazz Festival (CZ) oder das Festival Jazz Amarinois (F), und wirkte an Produktionen des Theaters im Pfalzbau, des Capitol Mannheim und der Städtischen Bühne Heidelberg mit.Mit ihrer Basis in der Pfalz erobert Mélange à Deux & Amis seit einigen Jahren zunehmend die Bühnen Deutschlands und Europas. Konzerte in Frankreich, Österreich, der Schweiz und den Niederlanden zeigen die wachsende Beliebtheit des Ensembles. Unter Kennern längst kein Geheimtipp mehr, begeistert die Formation ihr Publikum mit Virtuosität, Spielfreude und stilistischer Vielfalt.„Rausch und Raffinement“ ist der Titel des Programms. Es verbindet schillernde Klangbilder, tänzerische Rhythmen und cineastische Anklänge. Zwischen Jazz, Tango und Chanson entsteht ein musikalisches Panorama voller Eleganz, Energie und feiner Melancholie.Die besondere Instrumentierung, kreative Arrangements und die spürbare Spielfreude der Musiker machen jeden Auftritt zu einem intensiven Konzerterlebnis. Mélange à Deux & Amis – mehr als nur Musik: eine Reise durch Kulturen, Stile und Emotionen.‍Biographien der Künstler:‍Ulrike Albeseder – Oboe, BlockflöteDie österreichische Oboistin und Blockflötistin Ulrike Albeseder studierte an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien bei Prof. Klaus Lienbacher und Prof. Hans Maria Kneihs sowie an der Musikhochschule München bei Prof. Günther Passin, wo sie jeweils mit Auszeichnung abschloss. Für ihre herausragenden Leistungen wurde sie mit dem Würdigungspreis der Universität Wien geehrt und beim renommierten Wettbewerb Gradus ad Parnassum mit dem Sonderpreis der Wiener Philharmoniker ausgezeichnet.Ihre solistische und kammermusikalische Tätigkeit führte sie zu Auftritten auf internationalen Bühnen in Europa, Asien und Amerika. Besondere Höhepunkte waren Solokonzerte im Wiener Musikverein, wo sie das Publikum mit ihrem farbenreichen Oboenspiel begeisterte. Ihre stilistische Vielseitigkeit spiegelt sich auch in genreübergreifenden Projekten wider – etwa im Wiener Jazzclub Porgy & Bess, wo sie mit dem Ensemble Velvet Elevator die Grenzen zwischen Klassik und Jazz auslotete.Als Mitbegründerin und prägende Musikerin des Ensembles Mélange à Deux & Amis verbindet Ulrike Albeseder Klassik, Jazz, Chanson, Folk, Film- und Weltmusik in einzigartigen Klangfarben. Mit Oboe und Blockflöte erweitert sie das Ausdrucksspektrum dieser Instrumente weit über deren traditionelle Rollen hinaus und überzeugt durch ihre Fähigkeit, emotionale Tiefe und improvisatorische Freiheit miteinander zu verbinden.Ihr künstlerisches Profil zeichnet sich durch Virtuosität, klangliche Feinheit und eine außergewöhnliche stilistische Offenheit aus. Damit gelingt es ihr, sowohl in klassischen Konzertsälen als auch in experimentellen und genreübergreifenden Kontexten ein breites Publikum zu begeistern.‍Uwe Hanewald – Akkordeon, GesangUwe Hanewald ist Akkordeonist, Sänger und vielseitiger Musiker, der mit großer Offenheit zwischen verschiedenen Stilen und Klangwelten agiert. Sein musikalischer Weg begann mit dem klassischen Akkordeon, wo er die technischen Grundlagen und die Ausdrucksmöglichkeiten des Instruments erlernte. Schon früh entwickelte er dabei ein Gespür für die Balance zwischen Virtuosität und Klangpoesie.Die Neugier auf andere Spielformen führte ihn bald über die klassische Tradition hinaus: Als Barpianist schärfte er sein Gefühl für Atmosphäre, Spontaneität und unmittelbaren Kontakt zum Publikum. Später sammelte er als Keyboarder in einem großen Pink-Floyd-Projekt Erfahrungen in der Rockmusik und in der Gestaltung monumentaler Klangwelten. Prägend war auch ein Meisterkurs bei Klaus Paier, der Hanewalds musikalischen Horizont in Richtung Jazz und Improvisation erweiterte und seine stilistische Vielseitigkeit nachhaltig vertiefte.Heute bringt Hanewald diese Erfahrungen in seine künstlerische Arbeit als Akkordeonist, Sänger und Arrangeur ein. Im Ensemble Mélange à Deux & Amis verbindet er Eigenkompositionen mit Werken aus Jazz, Chanson, Folk, Film- und Weltmusik. Sein Akkordeon ist dabei harmonisches Fundament, rhythmischer Motor und klangfarbenreiches Soloinstrument zugleich. Mit seinem Gesang verleiht er den Konzerten zudem eine zusätzliche emotionale Dimension.Charakteristisch für sein Spiel ist die stilistische Offenheit: Klassische Präzision, jazzige Improvisationsfreude, lyrische Momente und mitreißende Energie fließen selbstverständlich ineinander. Hanewald versteht es, Brücken zu schlagen – zwischen Genres, Traditionen und Kulturen ebenso wie zwischen Musiker:innen und Publikum.Sein Schaffen lebt vom Dialog und der Freude am gemeinsamen Musizieren – neugierig, ausdrucksstark und stets auf der Suche nach neuen Klangwelten.‍Wolfgang Mayé - KontrabassWolfgang Mayé ist Kontrabassist mit einer besonderen Leidenschaft für die tiefen Töne und die Vielfalt musikalischer Ausdrucksformen. Sein Weg begann mit einer achtjährigen klassischen Celloausbildung, ehe er den Kontrabass für sich entdeckte – ein Instrument, das ihm durch seine Klangtiefe, Vielseitigkeit und Nähe zur Improvisation neue Horizonte eröffnete. Früh sammelte er prägende Erfahrungen: Als Mitglied des Landesjugendjazzorchesters Schleswig-Holstein entwickelte er seine Begeisterung für Jazz und Ensemble-Spiel. Mit der Weltmusik-Gruppe FISFÜZ gewann er 1998 den Weltmusikpreis „Querbeet“ (ausgeschrieben vom heutigen SWR). Workshops mit renommierten Musikern wie Peter Herbert, Peer Mathisen, Jamaladeen Tacuma, Marc Abrams und John Saß, ebenso wie Unterricht bei Johannes Schädlich und Michael Schneider, erweiterten seine musikalische Bandbreite und prägten seine Handschrift als Bassist.Seit Anfang 2019 ist er festes Mitglied von Mélange à Deux & Ami, wo er die Musik mit seinem warmen Ton, rhythmischer Klarheit und feiner Gestaltungskraft entscheidend prägt. Wolfgang Mayé bewegt sich mühelos zwischen Jazz, Klassik, Weltmusik und improvisierter Musik. Sein Spiel vereint Erdung und Beweglichkeit: mal als tragendes Fundament, mal mit virtuoser Linienführung oder farbigen Akzenten.Bei aller Professionalität bleibt er dabei stets neugierig, offen und nahbar – Eigenschaften, die ihn nicht nur zu einem gefragten Musiker, sondern auch zu einem geschätzten Partner auf und neben der Bühne machen.‍Wolfgang Disch – Schlagzeug, PercussionWolfgang Disch ist Schlagzeuger und Perkussionist mit einem weiten musikalischen Horizont von Jazz über Pop bis hin zu genreübergreifenden Projekten. Er studierte Jazzschlagzeug an der Staatlichen Hochschule für Musik Mannheim bei Prof. Keith Copeland und Prof. Michael Küttner und ist seit seiner Studienzeit als Live- und Studiomusiker aktiv.In seiner Laufbahn arbeitete er mit zahlreichen Künstlern wie Ludwig Nuss, Ingolf Burkhardt, Steffen Weber und Kosho (Söhne Mannheims) zusammen. Daneben ist er festes Mitglied der Bands „Cordclub“ und „Bartok Kombinat“. Als Sideman gastierte er bei Festivals im In- und Ausland, darunter enjoy jazz, das Slany Jazz Festival (CZ) und das Festival Jazz Amarinois (F). Zudem wirkte er bei Produktionen des Theaters im Pfalzbau Ludwigshafen, des Capitol Mannheim und der Städtischen Bühne Heidelberg mit.Seit 2025 gehört er zum Ensemble Mélange à Deux & Amis, wo er mit Schlagzeug und Percussion den Klang der Gruppe um neue rhythmische und farbliche Dimensionen erweitert. Disch versteht es, Groove, Klangfarben und feine Nuancen miteinander zu verbinden und so die Musik sowohl zu erden als auch zu beleben.Sein Spiel ist geprägt von technischer Souveränität, rhythmischer Präzision und einem sensiblen Gespür für musikalische Atmosphären. Dabei bewegt er sich mühelos zwischen akzentuierter Begleitung und eigenständiger Gestaltung – immer im Dienst des musikalischen Dialogs.‍‍‍‍‍‍‍

L'année dernière, la Nuit a cappella de Blieskastel a fêté son 20e anniversaire. Cette année, dans le cadre du festival Euroclassic, ce spectacle vocal entame sa 21e édition le samedi 24 octobre 2026 avec trois nouveaux groupes exceptionnels : Pitch Pipe Project. Équipés de dix poumons et d’un diapason, les quatre chanteurs du groupe « Pitch Pipe Project » s’aventurent dans les sphères de l’homo- et de la polyphonie sans instruments. La marque de fabrique de ce groupe a cappella de Berlin-Brandebourg, ce sont des chansons originales, tantôt humoristiques, tantôt contemplatives, tantôt satiriques, tantôt absurdes, tantôt hilarantes, tantôt subtiles, swingantes et mélodieuses. Albrecht Philipp, Jonas Harder, Philipp Neumann et Martin Kliem couvrent, avec leurs propres chansons en allemand, tous les domaines qui les intéressent et les préoccupent. Leurs textes sont géniaux et surtout très drôles. Les thèmes abordés vont de la botanique du réfrigérateur aux femmes obsédées par l’ail, en passant par les bourreaux de travail stressés. Il est question de CV statistiques, de la douleur de la rupture, de conseils « Comment ça serait » un peu trop sages pour l’âge, du quotidien des musiciens et, enfin, dans leur propre berceuse, de la « salle d’attente des rêves » et de bien d’autres choses encore. Gretchens Antwort Le programme a cappella des années 20 « Dreh den Swing auf ! » du groupe vocal berlinois Gretchens Antwort est un hommage excessif aux temps passés, sans pour autant perdre le contact avec le présent : les « Roaring Twenties » se fondent avec les boîtes de nuit berlinoises vibrantes d’aujourd’hui pour former une époque enivrante qui leur est propre. On y voit Britney Spears danser en jupe banane et « Roxanne » de The Police est envoyée dans le quartier rouge du jazz sous les traits d’une flapper brodée de perles. En tant que femmes fatales modernes, les Gretchen bouleversent toutes les idées reçues sur les genres et les sexes. On n’a jamais entendu le gangsta rap allemand comme ça ! Avec leurs voix envoûtantes et leur esprit féminin, Liza John, Jessica Jorgas, Steffi Klein et Anne Stabler font vibrer le gramophone en tant que DJanes sophistiquées, lorsqu’elles mixent sauvagement swing et rap, charleston et pop, jazz et rock.‍ M.O.M M.O.M. est un groupe de beatbox viennois composé de trois artistes : Geo Popoff, Eon et Slizzer. En 2021 et 2023, ils ont remporté le championnat du monde dans leur discipline. La diversité est au cœur de leurs spectacles. À partir de sons purement vocaux, M.O.M crée une musique énergique qui, au début, en met plein les oreilles. Une forêt tropicale ruisselante, une escapade au bord de la mer, puis soudainement de retour sur la piste de danse d’un club : c’est le voyage dans lequel on se lance, à travers différents styles musicaux allant de la techno à la drum and bass, en passant par la musique latine, l’afro-beat et le jazz. M.O.M séduit par ses rythmes entraînants et fait participer tout le public avec une aisance qui touche le cœur. Outre la musique, ce qui rend le groupe si particulier, c’est la synergie unique entre ces trois musiciens professionnels, liés par 10 ans d’amitié, 400 concerts communs et plusieurs tournées à travers l’Europe et l’Asie. M.O.M signifie « Man on a Mission », et cette mission consiste à fasciner, inspirer et, bien sûr, faire danser les gens grâce à leur super-pouvoir. La soirée sera animée avec compétence et humour par Christian Langer (Stuttgart), lui-même chanteur pendant de nombreuses années au sein du groupe a cappella FÜENF.

Un voyage musical qui nous ramène aux années folles. Avec le programme « Zeitlos im Frack », les cinq chanteurs et leur pianiste des Real Comedian Harmonists démontrent une extraordinaire diversité stylistique. Car leurs modèles mondialement connus n’étaient pas seulement des maîtres du divertissement. Ils savaient, mieux que tout autre groupe, allier la musique classique et populaire de leur époque au boulevard et au vaudeville. Le tout présenté avec une précision rythmique et une verve débordante ! Mais à quoi ressembleraient les plus grands tubes des XXe et XXIe siècles s’ils avaient été chantés par les Comedian Harmonists ? De la musique classique viennoise à Helene Fischer ! On peut se réjouir. Un véritable régal musical pour les oreilles, des chorégraphies amusantes pour les yeux et des récits émouvants sur le parcours destiné du premier boys band au monde !